Résumé : Cet article propose une lecture approfondie du travail photographique de Frank César Lovisolo Guillard, artiste multimédia français, à travers l’ensemble des séries publiées sur son site. De la photographie philosophique en noir et blanc aux macrophotographies, des carnets de voyages en Italie aux explorations sous-marines, jusqu’à la série féerique Morgane l’a Fait — hommage voilé à Morgane la Fée —, l’œuvre photographique de Lovisolo Guillard se révèle comme un corpus cohérent, exigeant et singulier.
I. L’Œil comme Instrument PhilosophiqueIl est des photographes qui documentent. Il en est d’autres qui interrogent. Frank César Lovisolo Guillard appartient résolument à cette seconde catégorie — celle des artistes pour lesquels l’objectif n’est pas une fenêtre ouverte sur le monde, mais un prisme qui en révèle les fractures, les profondeurs cachées, les silences éloquents. Artiste multimédia ancré dans le Var, compositeur de musique expérimentale, ingénieur du son et écrivain, Lovisolo Guillard pratique la photographie non comme une discipline annexe mais comme un langage à part entière, indissociable de l’ensemble de sa démarche créatrice. Son œuvre photographique — considérable par le volume et remarquable par la cohérence — s’organise selon des axes thématiques et formels qui, pris ensemble, dessinent une véritable poétique de l’image. Ce qui frappe d’emblée, à parcourir les séries réunies sur son site, c’est la prégnance du noir et blanc. Non par nostalgie ou affectation esthétisante, mais parce que l’absence de couleur semble ici une nécessité ontologique : elle dépouille le réel de son immédiateté séduisante pour en livrer l’ossature, la structure temporelle, l’essence mélancolique. Lovisolo Guillard photographie en noir et blanc comme on pense par concepts — en cherchant l’universel sous le particulier.
 II. La Mémoire des Lieux, la Poétique des Ruines
Une constante traverse les séries photographiques de Lovisolo Guillard : l’attention portée aux lieux chargés de temps. Qu’il s’arpente les chantiers navals abandonnés de La Seyne-sur-Mer (L’Ancien Atelier de Mécanique), les bâtiments en déshérence de la baie de Balaguier, les mines de soufre siciliennes ou les murs craquelés de Malte couverts d’oriels, le photographe développe une véritable archéologie visuelle du présent. Ces espaces urbex ne sont pas traités comme de simples terrains d’aventure pour frissons esthétiques — pratique désormais banalisée jusqu’à la caricature. Ici, la ruine est pensée. Elle est le lieu où le temps s’est sédimenté en couches visibles, où l’histoire humaine laisse ses empreintes les plus sincères, débarrassées du vernis social. Dans la série Palsambleu ! Pourquoi donc a-t-on tagué « PILLA » sur un mur ?, l’artiste pousse même l’exercice jusqu’à une interrogation quasi-herméneutique : le tag anonyme devient signe, vestige, question ouverte à l’interprétation du regard. Cette sensibilité aux traces rejoint une tradition philosophique qui va de Simmel à Benjamin — celle qui voit dans la ruine non la fin des choses mais leur plus haute expression, le moment où l’objet, délesté de son usage, retrouve son mystère originel.
 Juillet 2019 III. Le Voyage comme ÉpistémologieLa géographie de l’œuvre photographique de Lovisolo Guillard est vaste : Italie (Naples, Sicile, Venise, les Îles Éoliennes, Rome, Gênes, Amalfi, Bologne, Florence), Bretagne, Saint-Pétersbourg, Malte, Grèce (Santorin, Athènes, Crète), Cabo Verde, Biarritz, Occitanie, Fontaine-de-Vaucluse. Autant de carnets visuels qui composent, dans leur ensemble, une géographie subjective et lettrée. Car le voyage, chez Lovisolo Guillard, ne se sépare jamais de la lecture. Sur les pas de Pétrarque à Fontaine-de-Vaucluse, San Sebastián : de Chillida à Woody Allen, Biarritz : Eugenia Errazuriz, Blaise Cendrars, Picasso, Stravinski… les titres eux-mêmes signalent que le déplacement physique est toujours doublé d’un déplacement littéraire ou artistique. Le photographe marche dans les pas des écrivains, des poètes, des peintres. Il photographie les lieux tels qu’ils résonnent dans la mémoire culturelle autant que dans la géographie réelle. Cette dimension intertextuelle de la pratique photographique mériterait d’être davantage explicitée dans les textes d’accompagnement, qui sont parfois d’une densité référentielle intimidante pour le lecteur non initié. C’est là, peut-être, la seule réserve que l’on puisse formuler : l’œuvre suppose un lecteur-regardeur déjà très cultivé, et ne fait guère de concession à ceux qui aborderaient ce travail sans bagage préalable. Cette exigence est une vertu, mais elle constitue aussi une forme de clôture. En Italie, les séries napolitaines (Napoli di notte, Napoli : La luce dei contrasti) révèlent un photographe attentif aux contrastes de lumière comme métaphore sociale. Naples — ville des extrêmes, de l’ombre et de la splendeur — semble être pour Lovisolo Guillard un territoire d’élection, un lieu où la réalité se dramatise d’elle-même, sans qu’il soit besoin d’intervenir autrement que par le choix de l’angle et du moment. Les photographies de Saint-Pétersbourg (cinq articles d’une remarquable continuité) témoignent d’une sensibilité particulière à la lumière du nord et aux architectures monumentales. Le passage de l’heure dorée à l’heure bleue, le canal Fontanka sous la neige, la Cathédrale du Sang-Versé dans le crépuscule : Lovisolo Guillard photographie Saint-Pétersbourg comme Dostoïevski l’habitait — avec une fièvre intérieure maîtrisée, une attention au détail qui n’exclut pas la vision d’ensemble.
 IV. La Macrophotographie, ou la Philosophie du Minuscule
La série Une preuve d’évolution constitue l’un des ensembles les plus originaux de l’œuvre photographique de Lovisolo Guillard. Déclinée en dix chapitres — de Darwin à Pline l’Ancien, de la biodiversité aux fleurs et aux insectes —, cette suite de macrophotographies transforme le regard en instrument philosophique à part entière. En s’approchant au plus près du vivant — pollen, insectes pollinisateurs, structures végétales, architectures cellulaires —, le photographe opère un renversement de perspective qui n’est pas sans rappeler certaines intuitions de Gaston Bachelard dans La Poétique de l’espace : le minuscule, loin d’être anecdotique, ouvre sur des univers d’une complexité vertigineuse. La macrophotographie devient alors un acte épistémologique : elle donne à voir ce qui excède ordinairement notre seuil de perception, elle révèle l’infini dans le fini. Le titre Une preuve d’évolution est, en soi, un programme philosophique. Il s’agit de montrer — au sens fort du terme, par l’image — ce que la pensée darwinienne affirme : l’extraordinaire foisonnement des formes vivantes, leur incessante transformation, leur beauté qui n’a jamais cherché à plaire à l’homme mais qui le bouleverse malgré tout.
 V. La Sousleaugraphie, ou l’Invention d’un Mot
Parmi les néologismes que s’autorise Lovisolo Guillard — et il en use avec une jubilation visible —, « sousleaugraphie » mérite une mention particulière. Terme forgé de toutes pièces pour désigner ses photographies réalisées en apnée ou en snorkeling, il dit beaucoup de la relation de cet artiste au langage : la photographie n’est jamais seulement une pratique technique, elle est aussi une invention lexicale, un nomadisme sémantique. Les séries de Sousleaugraphie — 2020, 2022, 2025 — offrent des images d’une grande qualité plastique : algues ondulant comme des voiles, fonds marins baignés d’une lumière diffuse et mouvante, épaves archéologiques d’Olbia sous-marines. Ces photographies aquatiques introduisent dans l’œuvre une dimension proprement contemplative, une suspension du temps qui contraste avec la verticalité intellectuelle des séries terrestres. L’eau efface les contours, fluidifie les formes : on n’y trouve plus la même rigueur architecturale que dans les séries urbaines, mais une forme d’abandon consenti au mouvement du monde.
 VI. Le Noir et Blanc : Un Choix Éthique
Revenons sur ce choix quasi-systématique du noir et blanc, qui traverse une grande partie de l’œuvre photographique de Lovisolo Guillard. Des Neuf vagues à Pors Loubous en Bretagne aux forêts de Un syndrome forestier sans couleur, des photographies de Faron (Faron, Far-Ombre) aux paysages algériens de Cantal et Lozère — la désaturation chromatique n’est jamais un manque, mais toujours un choix. Ce choix a une dimension presque éthique. À l’heure où la photographie numérique permet une saturation des couleurs portée à l’excès — HDR criard, filtres Instagram surréalistes —, opter pour le noir et blanc est un acte de résistance esthétique. C’est refuser la séduction facile, la beauté de surface, le like immédiat. C’est choisir la durée contre l’instant, la méditation contre la consommation. Cette posture est cohérente avec l’ensemble de la démarche artistique de Lovisolo Guillard, qui, dans ses compositions musicales comme dans ses textes, manifeste une méfiance constante envers tout ce qui se donne trop facilement, qui se consomme sans effort. L’art, pour lui, suppose une résistance — celle de l’œuvre face au regard, celle de la forme face à la dissolution dans le flux.
VII. Accumulations, Fragments, SériesUn dernier trait caractéristique de la photographie de Lovisolo Guillard mérite d’être relevé : la pensée par séries. Rares sont les images isolées dans son œuvre ; presque tout est ordonné en suites, en progressions, en accumulations. Neuf vagues, Neuf variations pour un banc, Vingt et une unités paysagères, Trente et une nuances de sable : les titres eux-mêmes indiquent une logique sérielle, une attention à la répétition et à la variation qui évoque la structure musicale — cohérente, là encore, avec la pratique compositionnelle de l’artiste. Cette pensée sérielle introduit une temporalité dans la photographie elle-même. Regarder une série de Lovisolo Guillard, c’est moins contempler des images fixes que suivre un mouvement, une pensée qui se développe d’un cliché à l’autre, comme une phrase musicale se déploie dans le temps. L’image isolée, ici, n’existe presque pas : elle prend sens dans un ensemble, elle dialogue avec ses voisines.
 Hélène Guillou – Morgane-Bleu-Avalon VIII. Morgane l’a Fait — Ou Quand la Fée Prend Corps dans l’Objectif(Chapitre complémentaire) « Morgane l’a Fait » : l’intitulé de cette série photographique porte, enchâssée en son cœur, une ambiguïté sémantique délicieuse. Avant d’être une assertion — Morgane l’a fait, quelqu’un du prénom de Morgane a réalisé quelque chose —, c’est une invocation, un aveu à demi-voilé : Morgane la Fée a agi, elle a exercé son pouvoir d’enchantement sur les images. Le jeu de mots n’est pas gratuit. Il condense en trois syllabes tout un programme : celui d’une photographie qui se sait habitée par quelque chose qui excède la simple captation du réel. Morgane — la plus redoutable des neuf enchanteresses d’Avalon dans la tradition arthurienne, celle qui tient le Val sans Retour et y emprisonne les chevaliers infidèles — est ici convoquée non comme simple personnage costumé, mais comme présence tutélaire, comme principe organisateur d’une imagerie féerique et celtique. La genèse de la série est racontée avec un humour qui sied bien à Lovisolo Guillard : lors d’une séance photographique avec une amie, il apprend que cette dernière voue une admiration particulière à Morgane, la principale des enchanteresses d’Avalon. Une malédiction créative, dit-il dans un sourire, s’en suivit. Mais de cette rencontre avec le monde des sortilèges naquit une série — trois volets, plusieurs galeries — d’une cohérence visuelle et thématique remarquable. Les photographies de Morgane l’a Fait se déploient dans un entre-deux : entre le portrait de mode et la vision symboliste, entre le document et le rêve éveillé. La modèle — que l’on sent complice, engagée, habitée par son personnage — n’est jamais simplement une silhouette que le photographe anime ; elle semble, au contraire, orienter le regard, guider l’objectif, imposer sa propre logique narrative. C’est peut-être en cela que le titre révèle sa plus profonde vérité : Morgane l’a fait parce que c’est elle, la fée, qui décide en dernier ressort de ce que l’image dit et de ce qu’elle tait. On retrouve dans ces images la maîtrise de la lumière qui caractérise l’ensemble de l’œuvre photographique de Lovisolo Guillard, mais déployée vers un tout autre registre : une lumière dramatique, presque theatrale, qui évoque les grands portraitistes du xviie siècle autant que l’iconographie préraphaélite de Rossetti ou Burne-Jones. Les costumes, les accessoires, les décors naturels concourent à créer un espace visuel autonome — une île, au sens fort, séparée du temps ordinaire. La série s’inscrit dans la continuité thématique du cycle Perilous Vale – Brocéliande, qui comprend plusieurs volets liés à la forêt arthurienne (Le Val sans Retour, Sortilèges, Le Réveil de la Sorcière, Tentation). Ces œuvres constituent ensemble un véritable dossier sur le mythe celtique traité par les moyens photographiques et sonores — une exploration de ce que la modernité peut encore recevoir de la pensée mythique, de ses images et de ses figures. On pourra regretter que cette veine féerique reste relativement isolée dans l’ensemble de l’œuvre photographique de Lovisolo Guillard, qui privilégie ordinairement des territoires plus âpres — paysages industriels, ruines, lumières crépusculaires. La rencontre avec Morgane a visiblement ouvert un espace nouveau, plus ludique et plus sensuel, que l’artiste semble n’avoir exploré qu’avec prudence. Ce qui est compréhensible : on ne convoque pas la fée d’Avalon sans en payer le prix, et le titre de la série nous le rappelle avec un clin d’œil.
Une Œuvre Exigeante, un Regard IndispensableÀ l’heure où la photographie s’est banalisée jusqu’à l’indistinction — où chaque smartphone produit des milliards d’images quotidiennes qui s’annulent les unes les autres dans leur prolifération même —, l’œuvre photographique de Frank César Lovisolo Guillard représente un contrepoint salutaire et nécessaire. Non que cet art soit exempt de tensions internes. La densité référentielle, parfois intimidante, peut constituer un obstacle pour le regardeur non préparé. La multiplicité des séries et des registres — de l’urbex à la macrophotographie, du noir et blanc contemplatif à la photographie féerique — pourrait donner l’impression d’un éparpillement. Mais c’est là mal lire une œuvre dont la cohérence n’est pas celle d’un genre ou d’un style, mais celle d’une pensée : une pensée qui circule librement entre les formes, qui refuse de se laisser enfermer dans un territoire unique, et qui trouve dans cette mobilité même son expression la plus juste. Ce que la photographie de Lovisolo Guillard nous demande, en définitive, c’est de regarder autrement — plus lentement, plus profondément, avec ce que Bachelard appelait la rêverie active : non la passivité du spectateur consommateur, mais l’engagement du lecteur qui reçoit une œuvre et la fait vivre en lui. C’est à ce prix, et à ce prix seulement, que ces images révèlent leur pleine puissance.
Cet article peut être librement cité avec mention de la source. Pour accéder à l’œuvre photographique complète de Frank César Lovisolo Guillard : frank-lovisolo.fr |
