L’ouverture sur l’ombre en reflet d’Elle

L’Ouverture :

L’ouverture sur l’ombre en reflet d’Elle – Partition pour  : 

Contrebasse – Double Bass  ● Violoncelle – Cellos  ● Violons – Violins  ● Clarinette Basse – Bass clarinet  ● Cor Anglais – English horn  ● Hautbois – Oboe  ● Koto  ● Xylophone  ● Glokenspiel  Percussions ( Classic and Ethnic )  ● Chœurs –  Choirs  ● Chœurs D’enfants – Boys choirs  ● Effets et sampling – Samples and digital effects.

Emberto Eco : La production mécanique de musique « cultivée ». (1965)

On sait qu’à partir de Schoenberg la musique « cultivée » a tenté de différentes manières de dépasser la tonalité et découvrir de nouveaux horizons sonores non seulement sur le plan de la mélodie mais également de l’harmonie et des timbres.

L’invention de nouveaux timbres en particulier a été un des problèmes fondamentaux de la « nouvelle musique ». On voulait proposer à l’oreille des combinaisons sonores qui ne soient pas trop liées, par tradition ou par nécessité grammaticale, au système tonal.

La machine s’est trouvé là pour fournir aux compositeurs d’immenses possibilités opératoires ; elle pouvait produire de nouveaux sons et donc proposer de nouveaux rapports entre les sons.

Nous savons que dans les arts, l’apparition d’une nouvelle matière bouleverse les genres existants et entraîne l’invention de nouvelles formes : la découverte de la peinture à l’huile a amené les changements formels que nous connaissons, la possibilité d’utiliser le métal et le béton armé a fait naître l’architecture moderne.

L’univers sonore de la musique classique était fondé sur une série de conventions auxquelles l’oreille était habituée depuis des siècles, mais qui ne représentaient pas l’optimum naturel (les musiques orientales, la musique grecque et la musique médiévale ne reposaient pas sur le système tonal, et cependant étaient très appréciées de leurs auditeurs), et les instruments classiques, tel que le piano, conditionnent ce naturel illusoire (non seulement le piano produit des sons selon la convention tonale, mais il est le résultat d’un « temperamento », d’un arrangement conventionnel des intervalles musicaux devenu désormais familier et agréable à notre oreille, mais pas absolu pour autant).

C’est donc avec enthousiasme que les compositeurs saluèrent l’apparition d’instruments techniques, qui offraient de nouveaux horizons de recherche et reculaient les limites de la sensibilité.

L’avènement de la machine dans le domaine musical a apporté les résultats suivants, que l’on qualifie généralement « d’expérimentaux », encore que ce terme puisse prêter à équivoque…

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Sampling : 

Un échantillon (sample en anglais) est un extrait musical, ou son, réutilisé dans une nouvelle composition musicale, souvent joué en boucle. L’extrait original peut être une note, un motif musical ou sonore quelconque. Il peut être original ou réutilisé en dehors de son contexte d’origine.

L’échantillonnage (sampling en anglais) peut être réalisé à l’aide d’un échantillonneur (sampler en anglais), qui peut être un équipement électronique ou un programme informatique sur ordinateur. Il est également possible d’échantillonner avec des boucles de bande magnétique sur une machine reel to reel.

Les compositeurs de musiques concrète et électroacoustique et les pionniers de la musique électronique ont utilisé des méthodes semblables dès les années 1940-1950, mais l’échantillonnage tel qu’il est pratiqué dans les musiques actuelles est plus récent.

L’origine de cet échantillonnage moderne est à chercher dans le dub jamaïcain, le rock expérimental allemand, et quelques « ovnis » musicaux. Parmi eux, le groupe new-yorkais Silver Apples, qui dès 1968 sort un premier album d’une electro-pop psychédélique, composé à l’aide d’une machine ancêtre du synthétiseur fabriquée par le groupe, avec notamment la présence de neuf oscillateurs, commandés à l’aide des mains, des pieds, des genoux…

Le groupe génère des sons électroniques, rajoute des collages sonores en échantillonnant toute sorte de bruits (par exemple : radio ou circulation), le tout sur des rythmes tribaux, le résultat étant incroyablement avant-gardiste (écouter le titre Program).

En Allemagne, l’influence du rock anglo-saxon était très présente à cette époque, mais quelques artistes allemands, en poussant leurs recherches musicales, allèrent plus loin et se mirent à incorporer des techniques de sampling dans leurs morceaux.

À partir du début des années 1970, exploitant les technologies naissantes et expérimentant en studio (bandes passées à l’envers, échos et délais sur les rythmiques – s’inspirant directement des travaux des électroacousticiens des années 1950), des groupes comme Can ou Faust composaient des morceaux en intégrant des extraits sonores, ou carrément en construisant tout un titre autour d’un ou plusieurs samples, le tout étant réalisé sur bandes magnétiques. Parmi les collages musicaux enregistrés à cette époque, certains sont encore étonnamment modernes (voir Tago Mago de Can, The Faust Tapes de Faust).

[Source]